为什么大师们都喜欢拍黑白，现在也还有很多人拍黑白？
黑白是摄影最初的语言，直到20世纪50年代彩色摄影技术才逐渐成熟，早期彩色摄影主要用于商业摄影，严肃的纪实摄影都习惯用黑白。
亨利·卡蒂埃·布列松 Henri Cartier-Bresson(1908-2004)曾经说：“彩色摄影是胡扯”。
保罗·斯特兰德 Paul Strand (1890-1976) 曾经说：“彩色摄影无法表达更深的情感。”
沃克·埃文斯 Walker Evans (1903-1975) 曾经说：“彩色很容易使摄影堕落，特别是强烈的色彩更会使照片变得一败涂地，彩色摄影即是低级。”
安塞尔·亚当斯 Ansel Adams (1902-1984)评论威廉·艾格斯顿 William Egglesto (1939-)的红色天花板说：“你拍不好就弄成红色的。”
罗伯特·弗兰克 Robert Frank (1924-2019)曾经说：“黑白其实就是摄影的色彩。”
技术层面，摄影包括胶卷生产、拍摄、药水冲洗、显影、输出放大，每一步都很复杂。因为技术的原因，早期彩色胶卷感官度很低，药水成本也非常昂贵，冲洗方法也麻烦。照片放大过程，彩色相比黑白也更复杂。
因此，彩色和黑白相比是完全不同的创作技法，传统黑白摄影大师不会轻易去尝试。
经济层面，彩色摄影成本比黑白高很多，直到今天黑白胶卷也便宜很多。比如森山大道当时用黑白胶卷的重要原因就是没钱。摄影在历史上是很贵的事情，不像现在手机可以随便拍。
以前摄影是需要有钱的，黑白胶卷是摄影的最低门槛。放在我们自己身上，进入艺术圈是有门槛的，做艺术品都是要有成本的，办一个艺术展从相纸到策展都要花很多钱，艺术行业其实还很传统。现在很少有艺术家把作品发在互联网上就成为艺术家，互联网还没有颠覆艺术圈。传统进入艺术圈还是需要读个艺术学位，办自己的艺术展，再等待机会，需要一系列经济和商业上的运作。
当全世界都在拍黑白的时候，没有人会认可彩色摄影。只有足够有影响力的人开始认定某个人的彩色摄影是好的，才会扭转这样的风气。
传播层面，摄影拍摄出来的照片需要为了某种传播。早期的纪实摄影，不论是马格南图片社或者美国农业安全局纪实摄影项目，他们拍照的主要目的是希望借助摄影大众传播的功能。这些摄影活动本身有政治倾向，借助大众传播，纪实的方式展出，引发人文关怀，进而推动政府某些政策的改变，进而推动社会变革。
在这种环境下，沃克·埃文斯更愿意以平视、平等的态度表现拍摄对象，抓住被摄者真实的状态，可以说开创了绝对客观的、直接的、不带太多个人感情的纪实摄影。
摄影的本体是一种媒介，只是一种工具，什么人都可以用它。沃克·埃文斯尽可能抛弃掉主观想法，客观的记录。日本的中平卓马 Takuma-Nakahira (1938-2015)后来也发现，拍照都在说谎，甚至把自己的底片全部烧光，反而看到了沃克·埃文斯后才发现真正的摄影。
大众传播的摄影和艺术的摄影基本上是两条路线，当时报纸上的照片不是艺术品。我们在报纸上看的照片具有传播功能，当时不论是报纸或杂志，都受制于印刷技术，也受制于当时印刷和流通成本。因此黑白照片的传播更简单。
黑白照片已经能够满足那个时代的消费端需求，因此生产端黑白摄影也就足够了。
表现层面，从摄影的本质上看，“当我们观察船、帆、桥、树或者人物的时候，应该撇开他们的一般特征，而把他们看作是形状、线条、质地、明暗、颜色和立体物的结合体”。
这告诉我们应该从形式层面而不应该从物质层面去理解照片，更多去关心设计学中的点、线、面、形状等维度。色彩相对于形状更难掌握，对于当时的摄影家来说，颜色其实是很难掌控的。相对来说黑白照片少掉了一个非常巨大的维度，会简单很多。人第一眼看到的是颜色，接着才是形状以及其他点线面的东西，颜色是浮在最表面的。颜色会让人影响特别深刻，色彩是非常吸引人的点。
因此色彩对我们观察世界的干扰非常大，一旦除掉色彩，我们就可以专心去观察点线面的形状。对于摄影的颜色如何影响人的感受，在当时并没有很好的研究。
认知层面。当时主流的风气希望摄影成为一门独立的艺术，与绘画划清界限。这时黑白固有的摄影特性就成了很多人坚守摄影底盘的底气，摄影的黑白让人能够将摄影与彩色的绘画划清界限。
因此当时很多人认为黑白是纯粹的严肃的摄影，彩色则是商业化的世俗的摄影。这种认知直到20世纪70年代以后才转变过来。二战后到六十年代以后，美国的发展到达了空前的阶段，大部分美国基础设施都在六七十年代建设出来，许多新生事物也都是在那个时候流行起来，彩色影像才逐步替代了人们那个时候的生活。
人们离开乡村，聚集到大城市，电视、广告牌等等人造彩色色彩成了人们生活的一部分，在这种背景下，彩色摄影就成了一种必然的趋势。
人性层面，不管是大师还是普通人都有自己的舒适区，名气越大的人越不愿跳出自己的舒适区。
人的一生是一条越走越窄的路，大师们也愿意坚守黑白，大师们也会担心“晚节不保”。