为什么要研究摄影
前两篇主要还是一些背景知识的介绍，从这一篇开始，要正式进入摄影发展史的内容了。我之所以对摄影特别感兴趣，答案就在这里。
摄影承载的绝不仅仅是娱乐性的视觉刺激，作为媒体的一种，19世纪摄影被发明以来，摄影的发展历程与全球近代史发展脉络息息相关。
之所以研究这些东西，目的在于建立对于摄影的审美认知，从而理解什么是好的，什么是不好的，搭出属于自己的作品评价框架。只有这样，才可能去探索作为艺术的摄影的边界，面对未知的未来，创作自己的作品。
在建立认知和搭建框架这一点上，不论是美食、摄影、哲学、商业还是投资，它们都一样。
在1970年代诞生了新彩色摄影，1970年代是摄影历史上的一个拐点。
1970年代，不管是二战，朝鲜战争，还是越南战争都已结束，在几十年的战争中，摄影起到了巨大的新闻与意识形态传播的作用，但这使得摄影在人们心中与新闻绑定了起来。
随着战争结束，以及电视，电影等新型媒体形式的普及，摄影作为新闻传播形式逐渐变得过时，这反倒让摄影开始脱离新闻属性——摄影家们不再需要去刻意记录某些事件，或者传播某些观点，摄影工作也不仅仅局限于广告宣传等世俗的商业功能。
摄影家们开始热衷于表现日常生活中的画面，以图像形式去表达情绪，抒发情感，从而引人思考，摄影开始展现出其独特的艺术特性。
另一方面，随着摄影技术的发展，摄影成本逐渐下降，快照形式的摄影越来越普及，这使得摄影离绘画渐行渐远。
虽然色彩、构图、几何形状等依然是摄影作品的重要组成部分，但它们不再是必选项，仅仅是用来表达和抒发情绪的一种工具。视觉刺激不再是摄影的唯一目的，只要能够满足某个艺术目标，即使是模糊、混乱、不和谐的画面也变得可以接受。
一旦脱离了新闻和绘画的束缚，摄影家就仿佛打开了新的大门。摄影作为一种艺术的边界得以延展，摄影家们开始更加深入的探讨日常生活中的情绪、思考
在开始聊新彩色摄影运动之前，先插播一些关于色彩原理的基础知识。
色彩原理的基础知识
颜色是一个光学概念，是光线反射到眼睛里，激活视锥细胞，让人感应到颜色。
原色：指不能通过其他颜色混合调配得出的基本色。
三原色：人眼能感应到400nm-700nm波长范围内的电磁波，即可见光谱。视锥细胞中包含长中短波三种视蛋白，分别对红、绿、蓝三种波长颜色的感应最灵敏，因此红绿蓝（RGB）被当成三原色。这便是三原色的来源。
不过，美术里面用的三原色红黄蓝实际是“青品黄”（CMY）。
它们的区别在于，红绿蓝是加色模式，因为三原色加在一起正好覆盖可见光光谱，所以三原色光线同时打在一起，就会混合出白光。
电视机、电脑、手机屏幕，这些本身自己发光的屏幕都是加色模式。
青品黄（色料三原色）是减色模式，特点是颜料混合在一起越加越黑。颜料印刷的时候，颜料会吸收掉一种光，反射另两种光，例如：青色颜料实际上是“一种会吸收黄光的颜料”，所以显示出青色（青 = 绿 + 蓝）。
因此，将两种颜料混合在一起时，会吸收更多的颜色，反射颜色数更少的光，这样也可以得到各种颜色。这就是减色模式。
理论上青品黄全部混合会吸收所有颜色的光，显示出黑色，但在实际印刷中这样做不经济，因此实际印刷中还会再加上黑色。这就是CMYK四色模式。
关于补色：在摄影调色中，人眼习惯与看到一种颜色后，就自动脑补色环上对应的补色。在一幅图画中，补色同时出现会给人和谐的感觉，补色在绘画中运用非常广泛。
红色和绿色（青色）是绘画史上用的最多的互补色，人们仅仅凭经验和感觉，就发现红色和绿色在一起就会让人感觉和谐。
关于色彩三要素：色彩三要素，就是通过色相、饱和度、明亮度定义一个色彩。
色相代表“它是什么颜色”，也就是三原色的比例；饱和度代表鲜艳程度，饱和度越高，颜色越正，反之越接近黑白；明度代表明暗程度，画面越亮，颜色越浅，反正颜色越深越接近黑色。
在颜色调节时，如果需要加强某一种颜色，除了提高颜色饱和度外，也可以试着减少这种颜色的补色，也会让整体饱和度更强，同时画面更加和谐。这样还不够的情况下可以尝试增加除了补色外的另外两个原色的饱和度。
例如想增加画面中的蓝色，可以先减少它的补色黄色，这样蓝色会变得更蓝。如果还不够，可以再增加青色和品红色，也可以让蓝色变得更蓝。
关于颜色的醒目程度：不同颜色醒目程度不同，同样的明度，蓝色是最暗的，红色和黄色显得更亮。
如果降低红色的亮度，红色会更暗，显得不那么醒目。如果降低黄色饱和度，虽然黄色明度不变，依然醒目，但颜色会没有那么刺眼。这时将色相去掉后，明度的对比会让人看的更清楚。
要记住除了颜色，通过调整饱和度和明度也可以造成对比，产生不同的醒目程度。尤其在黑白摄影中，我们人为的去掉色相，利用饱和度和明度的对比进行表现，这一点非常重要。
关于新彩色摄影
新彩色摄影是摄影发展史中的一个标志性发展事件。
除了新彩色摄影，赵刚在《世界摄影美学简史》将它和新纪实、新地形学三个概念重新归纳在一起，称为摄影的新时代。不过这三个“新”并没有必然联系，只是巧合。
这其中，新彩色摄影是一场艺术运动，其他两个新地形和新纪实都只是一场影响力较大的展览。
艺术运动也叫艺术流派，艺术运动是一群艺术家在一段时间有共同的宗旨或者目标，所遵循的艺术潮流或者风格。比如印象派、超现实主义等等。
新纪实和新地形的概念，并没有单独成为艺术运动，他们只是在新彩色摄影的大背景下，在1960年代后形成的两股潮流。只有新彩色摄影是从1976年威廉·艾格斯顿个展开始到90年代末数码摄影出来之前的一场艺术运动。
20世纪的摄影史基本上是以一次次摄影展为契机来改变摄影潮流的。1976年在纽约现代艺术博物馆(MoMA)举办了一次意义深远的摄影展，当时MoMA摄影部主任约翰·萨考夫斯基 (John Szarkowski) 给威廉·艾格斯顿策划了一次个展，展出艾格斯顿的个人作品，同时出版了《威廉·艾格斯顿导读》，这成为了新彩色摄影的开端。
这本书是经典，可以说是彩色摄影的指南，这些照片已经成了“典故”。这些照片已经成了经典作品，被后人引用模仿。
五年后的1981年10月16日至11月11日，在纽约州雪城市伊弗森美术馆，莎莉·奥克莱尔策划了新彩色摄影联展，汇集了45名摄影家，也出版了同名画册《新彩色摄影(The New Color Photography)》，这成了新彩色摄影的标志。
在这次展览中，威廉·艾格斯顿，史蒂芬·肖尓，乔尔·迈耶罗维茨，乔·斯坦菲尔德等人成了新彩色摄影的代表。
新彩色摄影是摄影家们想通过彩色来呈现艺术摄影的形式。1960年前后彩色摄影还不成熟，大量艺术摄影还都是黑白的，彩色摄影往往被用来制造图像而不是摄影作品。那时的彩色摄影不是艺术的，更多是商业的世俗的，大家还不知道怎么做才能谁彩色更接近艺术。
艺术并不是高雅的，1917年杜尚就用小便池终结了艺术的高雅论，《为什么那是艺术》这本书有详细论述。
但摄影在这方面是滞后的，在二战时，摄影更多代表新闻性，很难和艺术沾边，人们对摄影的认识更多停留在新闻报道，绝大多数人都在拍黑白的新闻。
那时艺术摄影非常稀罕，史蒂芬肖尓说在1960年代，整个纽约只有两家艺术摄影画廊。虽然萨考夫斯基跟威廉艾格斯顿也在1970年代初就认识，但直到1975年后，越南战争结束的1976年萨考夫斯基才策划了摄影展。
实际上，在1976年之前也有彩色摄影展，其中比较著名的有艾略特·波特 Eliot Poter (1901 – 1990)和恩斯·特哈斯 Ernst Haas(1921-1986)。艾略特·波特喜欢拍纯粹的风景，恩斯特·哈斯原先是拍新闻的，后来主要用彩色拍摄美国的城市。
哈斯的作品拍摄的是纯粹的城市大多是抽线线条和色块组合，很接近绘画。艾略特波特拍摄的是纯粹的自然，也没有离开绘画的思路。因此他们都没有造成太大的影响力。
哈斯才是严格意义上第一个在美国举办彩色摄影个展的摄影家，当时哈斯在MoMA的策展人是萨考夫斯基的前任爱德华·斯泰肯Edward Steichen(1879 – 1973)。斯泰肯这个人比较保守，强调摄影的绘画性和新闻性，对摄影单独作为媒介的特性并没有特别关注。
但新彩色摄影家们，比如威廉·艾格斯顿或者史蒂芬·肖尓的作品看起来就非常的平庸和无聊，毫无新闻性与绘画性。他们拍摄的大多是日常生活，并没有那种一眼能看透的美，更加含蓄内敛和不刻意讨好观众。但也就是这种创作手法更符合了艺术摄影的定义。
彩色照片的大规模生产也是艺术摄影诞生的原因。彩色照片和当时的安迪沃霍尔Andy Warhol倡导的波普艺术还有某种关联，它们不再强调作品的唯一性和神秘感，作品可以去除精心雕琢和设计，转而强调原真的，直接交流的审美方式。
这种审美被成为快照审美。它拍摄的都是日常生活和郊区风景，没有宏大叙事，没有意识形态教育，与绘画和新闻都刻意保持了距离。快照审美寻求一种表面上的偶然性，这种艺术恰恰用看起来最业余随意的手法拍摄照片。
这形成了一种艺术走向，作品从确定性走向了不确定性，从唯一答案走向多元解读。摄影说教成分越来越少，给读者留下了越来越多的空间，这正是摄影家们的新的探索。
不过早期的新彩色摄影的确是快照审美，但是到了后面，摄影家们也转而开始进行严谨的创作。他们试图刻意的拍摄不那么刻意的照片，把快照美学进行了升级。
在表现形式上，新彩色摄影则让色彩成为了画面内容的重要维度甚至支配画面的整体走向。
新彩色摄影摈弃了传统摄影对公共意识形态的教化倾向，不追求宏大叙事，转而从自身经验出发，以质疑和反省的态度，借助极具表现力的色彩，对日常社会景观进行摄影式的审视，揭示了潜伏在美国寻常普通的社会表面下，所普遍暗藏的危机，一种寻常之下的不寻常，一种时代造就的焦虑和疏离。